художники: Сэнфорд Бигерс (Sanford Biggers), Катя Бочавар & much2much (Katya Bochavar), Бэк Ступак & honegunlabs (Bec Stupack) , Дэш Сноу (Dash Snow), Свун (Swoon), Дерик Меландэр (Derick Melander).
Политическая нестабильность и рост антиамериканских настроений во всем мире делают насущной необходимостью показ выставки, которая реабилитирует американскую мечту. Выставку, в которой сконцентрирован весь дерзкий артистический дух Нью-Йорка.
Название выставки, написаное по английски, [t]here, составляет каламбур,совмещающий слова «там» и «здесь.» Скобки объединяют оба понятия и в то же время создают границы между ними. В философии Мишеля Фуко, термин дискурс определяет понятие, сосредоточенное в пространстве находящимся между «мыслью» и «словом.» Идея выставки в том, что бы показать возможные направления современного искусства. Формирующиеся во время написания данного текста они находятся на деликатной границе — в процессе между несуществованием и каноном.
И увидим, что речь идет о множестве границ.1. Прежде всего — это барьер между «высокой» и массовой культурой. На выставке представлены художники, работающие с пограничными маргинальными явлениями такими, как хип-хоп, граффити, видео для рейвов, полароидная фотография, строительные материалы, старая поношенная одежда, найденая на улице и уличные украшения.
чуждому, неизвестному или непонятному. Качество, отвегающее толерантность,способствует самоидентификации. Америка и Россия воспринимают друг друга поверхностно, через стереотипы пропаганд, унаследованных от холодной войны, Голливуда, поп-музыки и современной политики.»Там» и «здесь» не существуют. Они стираются во время диалога, пораждающего возможность понимания друг друга: «их» «нами» и «своих» «чужими.» Диалог не является гарантией глубокого контакта, а только возможность, один из первых шагов к пониманию, а только дает возможность совершить один из первых шагов к пониманию, полнота которого невозможна.
[t]here — один из шагов к познанию Москвой Нью-Йорка. Ведь одна из многих ролей художников — функция дипломата. [t]here. new york представляет самокритичную и в то же время «оторванную» нью-йоркскую Америку. Зародыши того молодого и здорового, что возможно спасет западную «империю зла.» С самого становления Нью-Йорк был источником радикального и прогрессивного мышления, изменяющего курс истории Америки и всего мира. После Второй Мировой Войны, только в Нью-Йорке могли зародиться такие движения как Абстрактный Экспрессионизм Нео-гео, Гипереализм и Поп-арт. Новые художники Нью-Йорка борются с традицией, внося субкультуру в доминирующий арт дискурс.3. Выставка затрагивает темы пограничного состояния между искусством и жизнью. Субкультура рождена необходимостью жить и общаться по новому, а не продолжать заданные каноны. Феномен отрицания традиции становится традицией.
Почему Москва? Роль России на арене мирового современного искусства возрастает. В феврале 2005 года прошла Первая Московская Биеннале Современного Искусства. Осенью 2005 года одновременно состоялись выставки русского искусства в нью йоркском Гугенхайме, парижском Музее Д’Орсэ и на бельгийском фестивале «Европалия-Россия.» Выставка [t]here. new york — своеобразный ответ молодежной художественной жизни Северной Америки.
Сэнфорд Биггерс родился в Лос Анджелесе в 1970 году. Живёт и работает в Нью-Йорке. Показывал свои произведения на Whitney Biennial of American Art 2004 и в Studio Museum in Harlem 2003. В его работах философия буддизма усмиряет и замораживает энергичный дух больших городов Америки. Обе культуры Сэнфорд знает не понаслышке. Он вырос в Лос Анджелесе, где вел жизнь обычного негритянского подростка: катался на скейте, рисовал граффитти. Уже с раннего возраста его привлекало смешение азиатской и афроамериканской культуры в пригородах мегаполиса. Желание изучать буддизм привело художника в Японию, где он провел на 2 года в будистском монастыре. В 2000 году он создал работу «Mandala of the B-Bodhisattva», соединившую в себе все стороны его мышления — танц-пол для брейк-дансеров в виде буддийской мандалы, сложенной из плит линолеума. Мандала — сакральный символ вселенной. Брейк-данс вышел из музыки хип-хоп и корнями уходит в африканскую традицию. Танц-пол сделан из линолеума, которым выстилают пол в американских автобусах. Выбранный материал несет смысловую нагрузку: это дань памяти и признательности Розе Паркс, кто во время сегрегации 50х годов, не уступила своего места белому мужчине нарушив законы сегрегации. Круговые движения брейк-дансеров,приглашенных с улицы в галерею, повторяют сакральные узоры, соединяя новое и древнее, они создают еще один слой значения. На вернисаже выставки в Москве будет создана новая мандала. На белом полу брейк-дансеры оставят рисунок мандалы из следов кроссовок. Также будет показана видео работа Сэнфорда, рисующего цветным песком буддийское песнопение ОМ в стиле нью-йоркского графитти.
рискованных художников Нью Йорка. Свои исследования новых видео технологий она начала на рейвах 90ых для толп из 8 000 людей. Потом вместе с друзьями устраивала международные фестивали и салоны экспериментов с живым видео и музыкой. Однако поняв, что аудитория у такого рода искусства маленькая и что экспериментальные идеи хороши на словах, но зачастую визуально не интересны, Бек стала ориентироваться на атмосфере галерей и музеев. Она делает живое видео как искусство, а не просто подбирает красивые картинки для музыки.
когда он только вышел его запретили за непристойность. Показы срывались,зрители и организаторы арестовывались. Фильм получил такую репутацию, что его невозможно было посмотреть, но всегда можно было о нем услышать. Фильм стал легендой, и его пересказывали друг другу. Часто пересказывали зная о нем лишь понаслышке. По рассказам и немногочисленным статьям о фильме услышала и Бек. В одной из статей подробно описывается всё, что происходит в кино. Она взяла этот пересказ за сценарий и решила снять фильм, не смотря оригинала.Бек всегда интересовала эстетика сексуальной анархии, где отсутствует разделение полов, где не женщины одеты в мужчин и не мужчины в женщин, а все становятся drag queens. В римейке «Flaming Creatures» не тела диктуют пол, а костюмы, в которые тела одеты. В фильме художница работала с людьми, непрофессионально занимающимися импровизацией, для того чтобы оставить в нем момент случайности и естественности.
инсталляции из копий. Фотографии Dash Snow не постановочные — в них жизнь нью-йоркского даунтауна, состаящая из секса, наркотиков, рок н ролла… Его фотографии не романизируют богемную жизнь, а с неподдельной искренностью и ироничным юмором констатируют факты. Где-то парни резвятся в клубах подушечных боёв, где-то панк демонстрирует камере как красть кошелёк у заснувшей женщины, у которой на футболке надпись «Иисус меня любит.» Ещё на одном снимке три подростка хулиганского вида в защитных масках стоят у полицейской машины, показывая средний палец камере, а улица засыпана пеплом Мирового Торгового Центра. В своем эксгизибиционизме, снимки напоминают образы Нэн Голдинг. В них отсутствует романтизм и деликатность цвета — они документально грязные. В фотографиях на первом месте «прикол». Только со временем раскрывается тот уникальный глаз, замечающий и фиксирующий, прекрасные, ужасные, тестостероновые «фишки» Нью-Йорка последних пяти лет… Примечательно, что все фотографии сняты для себя и стали достоянием публики только после того, как их заметили профессионалы арт тусовки, как самое свежее искусство, увиденное за последнее время в современной фотографии.
персональная выставка Moments Like this Never Last состоялась в феврале 2005 года в Rivington Arms Gallery в Нью-Йорке. Что бы посмотреть работы Dash Snow в галерее, можно уединится в заброшенном туалете подвала и сидя на «толчке» насладится хулиганским Нью Йорком.
Само присутствие работ 27 летней нью-йоркской художницы Свун в пространстве галлереи иронично… Она жестко называет их крематориями искусства и не может представить себе работу ради маленького галереиного и музейного мира. Подход Свун к искусству американский в самом хорошем смысле этого слова — по-настоящему демократичен, открыт и свободолюбив.
Свун — одна из художников, создающих и меняющих образ Нью- Йорка. Её произведения — часть визульных легенд домов и кварталов города. Она принимает участие в художественном движении, известном как «искусство улицы» («street art»). За 20 лет граффити потеснилось, уступая свое место на улице плакатам, наклейкам, и шаблонным рисункам. Работы Свун занимают «третье» пространство искусства — не галереи, не самые видные части улицы, а незаметные углы и забытые места — заброшеные здания и сломанные стены. Для неё эти пространства имеют больше отношения к искусству и процессу его создания.
Материал с которым работает Дерик — старая ношеная одежда, бережно сложенная в колонны, баррикады, и стихи, обретающая новую жизнь, становящаяся частью архитектуры. Художник заставляет архитектуру для тела взаимодействовать с интерьером выставочного пространства. Каждое воскресенье художник ходит на блошиный рынок и приносит в мастерскую огромные мешки одежды, после чего бережно складывает её в скульптуры. Концепцию той или иной скульптуры определяет либо цвет, либо гендерность, либо степень отдаленности от человеческого тела (верхняя одежда внизу, нижняя наверху). Произведения Дерика поражают монументальностью, хотя материал, из которых они сделаны, самый что ни на есть тленный и обыденный. Самые интересные примеры в складывании одежды — это мужская и женская колонны и трогательный стих в формате хайку из бирок компаний, шьющих одежду.
человеческие «кожи» обретают вторые инстанции. Главная тема, интересующая художника — возможные пространства между людьми: физическое, эмоциональное и ментальное. Одежда — это обьект, отделяющий индивидума от социума, и в то же время определяющий принадлежность к полу, возрасту, статусу, группе «других».
экспонировались в нью-йоркских галереях, среди которых Artists Space, 800 Gallery и в техасском Art Center Waco.
украшения. В работе, совмещены смыслы материальности современной культуры,сопоставления дорогого и дешевого, технологического и органического, ценного и ненужного. Автомобиль — временная капсула, украшенная архитектурными орнаментами, ювелирными украшениями хип-хопа, совмещая культуры экстрима барокко и золото обильной эстетики нью-йоркского хип-хопа. Для проекта [t]here. new york, Бочавар, берет за основу традицию, развитую некоторыми уличными художниками в East Village, превращать старые машины в свежий китчевый арт-объект. Периодически в богемном районе можно встретить автомобили, декорация которых, вдохновлена музыкой хиппи, барочными люстрами, мозаиками, и любимыми животными. Подобные вещи делают Нью- Йорк городом, где творчество не может существовать независимо от жизни. Оно самодостаточно: не важно есть ли зрители, пишут ли об этом арт критики.
Джерси Сеймур — модный дизайнер, чьи инсталляции показывались в Нью-Йорке,Токио, Брюсселе. Работает с цветным полиуретаном, создавая обьемные пространственные композиции. В 2004 году в Diesel Denim Gallery показана инсталляция Mo Scum. Стены и мебель галереи были залиты ярко розовым полиуретаном. Инсталяция напоминала сон подростка, состоящий из влажных эротических видений, музыки, комиксов, телевидения и уличной культуры.
Работы Джерси существуют на границе искусства и дизайна, скульптуры и идустриального дизайна. Они совмещают нестандартный юмор и новаторское использование материалов. Художник родился в Берлине и провел много лет в столицах Старого и Нового Света. Джерси — человек мегаполисов, он обладает истинным нью-йоркским чуством космополитизма. Последним проектом Джерси была инсталляция из цветного полиуретана под открытым небом в рамках дизайнерского форума designbrussels 2005.